舞台摄影时闪光灯必要吗?
400度的胶卷 闪光灯是否必需?

舞台摄影时用闪光灯，照片没有舞台的灯光效果。所以舞台摄影时不要用闪光灯。

一般不用，不过有时候为了改变色温还是要用一下的，

舞台摄影就是需要那种灯光效果。用闪光灯改变色温就没有那种灯光效果了。不过舞台摄影是比较难拍的，对拍摄技术要求是很高的。

舞台摄影要用多大指数的闪光灯啊？考虑过距离吗。。。
好象400*也不够用吧。。。

不用闪光灯的话，400的恐怕不行，另外胶卷的类型也要考虑！

不用闪光灯,100的也行，胶卷就用日光型的。关键就靠手上的技术工夫了，要用慢门，在控制好景深的范围下尽量用大光圈。再就是要掌握好演员表演的一刹那间的造型动作。摄影者要做到眼明手快，掌握好按快门的时机。我国专拍舞台摄影的黄克勤摄影大师，在拍舞台摄影时从来就没有用过闪光灯（我曾经和他一起拍过片子），在上世纪80年代初，片子的感光度也就是100。你可以找一找他的舞台摄影作品，感受一下什么叫做高摄影水平。

这位影友说话有误导！！！
最基本的常识——在舞台上的演员都是不断在活动[因为表演的需要]，而且舞台的灯光又不是光芒万丈！100*在日光下都需要被摄者老老实实站着，才能保证清晰度！不知那位大师如何用100*拍舞台剧照，这怎么可能保证人物清晰呢？？？
好象“HOH”影友没明白我的意思：正常的情况下，一般拍摄者离舞台较远，离表演者更远，闪光灯的作用有多大呢？？？
在保证拍摄质量的前提下，如果是组织上报销的话，建议你还是去买灯光型高度卷，否则就买。。。

看来你是没有拍过舞台摄影，而且不了解舞蹈的特性。黄克勤的《春江花月夜》你看过没有？而且《大众摄影》还有一篇文章专门介绍这幅作品是如何拍的。

你说我没拍过舞台摄影？不怪你，顺便自介一下：“解放前”在下是搞影视剧照拍摄的，现在负责剧组工作！拍摄、接触此类型的照片不可谓不多吧。。。！这位影友好象连拍摄的基本特性都不“十分”熟悉，只想告诉阁下一句，凡事不要人云亦云，事实是检验真理的唯一标准！
再给个提醒，这年头所谓的大师、大仙多如牛毛，“高人们”诠释的，您只管听，抵着面的话您还要顺便给个掌声，以证明您受益匪浅。转身以后您还要靠您自己高智商的脑袋自行揣摩是与非。。。
脑袋是用来考虑问题的，不单是用来接受的。。。

到底谁看过黄克勤的《春江花月夜》？做第三者，出来平个理。

“解放前”在下是搞影视剧照拍摄的，现在负责剧组工作的同志，久仰久仰，幸会幸会，你是“老革命”了，看来是高手了。小弟有眼不识泰山，请多多包涵，小弟向你学习了。不过“老革命”不知道黄克勤？也不知道舞台摄影作品《春江花月夜》？再说早一点，在延安时期吴印咸的舞台剧照《兄妹开荒》是怎么拍出来的你也不知道？那个时候在根据地的中央工农红军里可没有闪光灯啊！而且胶卷的感光度也不高，有个50定的就不错了，还有更低的，25定。你见过没有？
拍剧照的从来是不允许使用闪光灯的，这是规矩，你知道吗？拍剧照不是拍新闻，噼里啪啦闪光灯一闪，为了完成任务，交个差，也就只能这样了。

首先说明一下,你根本也没看“懂”我前面所发的文章，并且容易跑题！舞台拍摄时我什么时候提倡过用闪光灯了？
二、“解放前”的意思是 在下以前是从事拍摄工作的！此“解放前”非彼“解放前”也，连这么一点都搞不明白？还划到延安去，是否再谈论下鬼子如何摸黑进庄的、李莲英是怎么点腊烛给慈禧拍照的？
三、看了阁下的一番高论，顿觉时空交叉，黑白彩色颠倒！你不至于头晕到那个时代是用什么拍摄的都搞不清楚吧？是否我军通过阁下向柯达老板进了点“彩色”FILM？闪光灯的作用难道仅仅是用来照亮物体吗，色温呢。。。
四、在停机的时候，为了配合宣传，可以不用根据剧情的需要，演员们需按照剧照摄影师的要求摆造型，此时的闪光灯。。。
好象同楼上大师所述的有点冲突啊。。。
五、张大师、黄大仙。。。诸如此类也无必要讨论了，中国出产的各类“家”们多如牛毛了，也无必要一一了解！最重要的是——自己先掌握基本技术，充实自身的理论水平，再遇到问题时可以自行思考、综合分析并加以判断，不要老是靠、拿别人所说的。。。
楼上的朋友，我看就此拉到吧，再讨论下去好象没那个必要了，因为你我。。。

“解放前”的同志，是你没有搞明白还是我没有搞明白？不要以为自己是搞影视剧照拍摄的，现在负责剧组工作就觉得别人连拍摄的基本特性都不“十分”熟悉。我们都是在互相学习，俗话说得好，“活到老学到老”。年青人，多了解老一辈的摄影家是怎样刻苦钻研技术创作出好的作品来，对自己是有好处的。你所说的第四点“在停机的时候，为了配合宣传，可以不用根据剧情的需要，演员们需按照剧照摄影师的要求摆造型，此时的闪光灯”，这是你处的位子所给的优厚条件才能如此这样。有多少个摄影爱好者有你这样的条件？所以我说的“不用闪光灯，100的也行，胶卷就用日光型的”，这并不是误导，而是通过在没有你这样的优厚条件下而实际拍摄中得出来的结论。仅管这不符合你所说的“连拍摄的基本特性都不“十分”熟悉”的理论，但你没有看明白我后面的一句“关键就靠手上的技术工夫了”。至于色温问题，用日光型的胶卷在灯光下拍摄是会造成严重的偏色现象，一般都要用闪光灯或者加色温转换滤镜来平衡色温，但你忽视了用负片拍摄，后期校色的范围比反转片校色的范围要广（用反转片拍摄对色温要求非常严）的这一特性。仅管不能校得很准（也不可能校得准，这是由日光型的胶卷的特性所决定的），但也会校得八九不离十。有时候就是需要这些八九不离十的效果。这又是不符合你所说的“连拍摄的基本特性都不“十分”熟悉”的理论。但这也是通过实际拍摄和后期制作的实践得出来的。再则，你所说的“在舞台上的演员都是不断在活动”这一点，这是最基本的常识，连地球人都知道。但你没有深入的去了解舞蹈的特性，这个特性就是舞蹈在运动过程中的造型（注意：是运动过程中的造型，免得你又要说我连拍摄的基本特性都不“十分”熟悉）必定有一瞬间的停顿过程，具体的以芭蕾舞的旋转动作造型为例，当演员旋转时，手臂的造型动作并不是与身体旋转同步的，在这期间手臂的造型动作有一瞬间的停顿过程，也就是说不是连续的旋转。头部的旋转更加如此，比手臂更加滞后与身体旋转。因为只有这样才能保持演员的身体平衡，否则演员转不了一下就要倒了。根据这一特点，当舞蹈演员的精彩动作造型出现时，摄影者就要当机立断，果断的按下快门。这就是我说的摄影者要做到眼明手快，掌握好按快门的时机。要做到这一点，就需要平时的基本训练了，把这手上的技术工夫学到家。想一想，部队的战士平时端枪训练时为什么要在枪管下吊砖头？所以我建议摄影爱好者要想把摄影技术真正学到手就不要过分的依赖闪光灯。“解放前”的同志，这都是我在实际摄影中得出来的经验，也是不符合你那摄影的基本特性。“事实是检验真理的唯一标准”，这一句你到是说对了。

谢谢 xmw ,谢谢 anjun ,以及楼上的各位,在你们激烈的讨论中我又学到了很多.
现在我说说那天晚上的情况吧:那天组织者给我200度的胶卷,我也很无奈,我带了一个1.8光圈的标头和一个28-70的变焦头,晚会是歌手比赛,所以相对来说人的动作不是很多,而且我可以在舞台边下面拍,位置很好,就是点太低了点(当然是为了不挡住领导的视线).片子出来后,打了闪光灯的片子,舞台灯光色彩就有一点偏黄,这应该是色温不同的原因吧.有一部分片子没有打灯,而是用了1.8的光圈,因为手持以及演员晃动的原因,虚了不少,但是有几张的色彩还原还是比较好,因为片子都没有扫描,所以不能传上来给各位评点一下了.
事实是检验真理的唯一标准. 下一次的时候我就知道该注意些什么问题了.
最后再次谢谢了!