近几年一直坚持使用photoshop和painter软件对摄影作品进行再创作,新摄影网一直在讨论摄影作品是否需要ps,其结果不争以明.我以为数码相机和ps是一个人的两条腿,缺一不可！中国不缺乏摄影大师,而缺乏的是ps大师.抖胆开此帖,是想和新摄影网的老师们共同探讨一下后期制作,和后期派生的各种样式的可读性,欢迎各位老师上帖交流指点！
绘画者所面对的挑战，是怎样在一张空白的画纸上，加上一些东西来使它变得有艺术性；而摄影人所面临的挑战则是迥然不同的，他们要从杂乱的环境中，把其中无关的景物除去，使画面看来具有艺术性。换句话说，作画是从一个空白的画面开始，然后决定把一些东西加进画面内，来表达自己的意念。摄影师(除非是静态的摆设)所关注的，就是怎样安排现有景物内的元素，借以表达自己的意念。本人在摄影创作中，由于景致的不如意，加上摄影技术不佳，往往拍摄出的作品不能反映自己的心境，所以一直坚持用摄影取景，用绘画创意，用photoshop和painter作为桥梁，来创作一种新样式。在现今视觉泛滥的时代,我们的眼睛在经历了一波又一波的视觉轰炸后已多少变得无动于衷，唯有风格化、有特质的作品才能打动人们的眼球。
个人感觉在后期制作之前有几个方面必须要先了解一下：
第一、图底关系
图底关系源于绘画，指一个物体或形状与背景的联系方式，我们是根据背景来看这个物体或形状的。人类知觉通常有个方式，即“图”看起来显得前凸，处于底子的前面。但有时，特别是在抽象艺术中，“图”和“底”占据几乎同样多的空间，这就使两者的关系变得混乱，因而作品的“底”和主体在分量上呈现均势。在优秀的摄影作品中，摄影家往往会充分利用这样一种图底关系，或是以“图”衬“底”，或是干脆让“图”和“底”来同时“发力”诠释共同的主题：即“图”与“底”发生反转并彼此融合成一个整体，进而产生双重的意象，同时也赋予整个画面无限扩展的空间感。
第二、色调
在作品后期创作中,要深刻的感受到色彩在作品中的力量和放射出的信息.色彩是什么？说到底，色彩还是一种风格。画面中的色彩运用得好，恰恰是一种人格力量体现。所以在制作之前，对完成作品的样式有一个基本的预期。色调处理得好，作品就成功了一半。
第三、肌理
新样式的创作离不开肌理应用。肌理是指绘画的表面由于作者使用不同的工具材料和技法 ,所呈现的一种凹凸的纹理效果 ,也指“绘画的表面结构”或“表层特征”。在油画中 ,肌理也是一种重要的技法 ,具有独特的美学价值。绘画的表面结构所呈现的肌理美感是绘画作品形式美的重要组成部分。“肌理是油画色层、笔触等表现语言与底子的有机结合而呈现的一种整体的艺术效果”。是绘画艺术的一门重要学问 ,它直接传达着艺术家的心理感受 ,影响着作品的感染力度。所以很多艺术家在绘画的制作过程中 ,都非常讲究材料和技法的运用 ,追求鲜明的画肌特征 ,给人以不同的美感愉悦。绘画肌理是呈现物象的质感，塑造和渲染形态的重要视觉要素。 在许多时候是作为被设计物材料的处理手段，以体现设计物的品质与材料的风格，并作为被人们接受的特定样式及成为时尚的因素。
肌理概念，作为一种对自然物象观察方法的定位，将对物象的基质认识发生了强化作用，它诱惑人们去用视觉或用心去体验、去触摸，物象与视觉产生亲近感和视觉上的快感。我们观察肌理，有助于形态的认识、理解、表现与再创造，有助于深刻地认识形式语言的意义与作用。

先上一组用西画的表现样式来创作的中国绘画体裁《残荷系列》

油画风格熔入国画重彩色意作品

古典油画样式

水粉画样式

水彩画样式

油画表现主义厚涂样式

水粉画和粉笔画结合样式

油画肌理（画刀）

油画肌理（厚涂）

水彩肌理

摄影和艺术有关。对于艺术的鉴赏，我想是没有统一标准的。
以前为了达到所要表达的意境，用很多工具和技术。现在用软件也能做得到。
如果艺术变得不那么神圣、变得只要用心就触手可及，那大家说，这是好还是不好呢？

能否挑几张，详细解说一下如何处理的？便与我们跟上楼主的脚步。

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漂亮！好功力！能否告知一些具体手法！盼！

这一组作品，反映出作者的一种风格而已。在普通摄影照片中，加入了绘画的元素，巧妙的做了一种高水准的取舍。最终使画面产生一种新的视觉冲击。应该承认，这种风格还不错。 没有美术基础的人，搞不出这种视觉效果。大家也不要盲目模仿而走进误区， 不要以为PS里的一个简单的“画笔滤镜”就能搞定。