前几日朋友们一起谈起摄影与美术的关系，尤其是激烈地争论到一个话题：学习摄影是否必须要学习美术？因自己早年学习过20多年的美术，也在四川美术学院混过几年，主攻油画，同时也端了二十多年的照相机，算是对绘画与摄影都有一点了解。为回答朋友问题写了一篇《从摄影、美术、PS的关系说起》的帖子，不当之处敬请纠正。

美术是人类最古老的艺术，发现人类史前的岩画远比文字古老得多，美术早已形成了自己坚实而厚重的系统理论、也留下了无数优秀的经典绘画作品以及各种艺术流派；而摄影的历史只有100多年，且在很长一段时间内，人们是以一门纯机械技术来看待摄影的，或认为摄影最多只是美术的一个附庸品，直到近代才被广泛承认是一项独立的艺术门类。

不可否认，摄影的各种艺术流派和形式都与美术的艺术流派和形式有密切的联系，几乎总是先有美术流派后有摄影流派，这是因为美术历史和文化渊源太长太厚了，摄影与美术又同属视觉造型艺术，摄影艺术自然要从美术理论和美术形式中汲取丰富的营养。

但正如我们看到的那样，摄影也有自己不同于美术的独特艺术魅力。希望大家从中了解美术各种艺术流派和摄影各种艺术流派的来源与发展的渊源关系。

特别需要指出的是，不要认为真实客观性是摄影艺术的唯一特性，摄影除了新闻工作和纪实性作品要求必须尽量做到客观真实外，绝大多数摄影艺术作品并不是对客观真实世界的反映，而是人们借助于照相机这个工具来表达自己对客观世界的主观感受和情感思想，如影楼婚纱、艺术人像拍摄、商业摄影等等，都渗透着摄影师或被摄影主体预先已策划的创作思想和情感，尤其是后期的有意识处理和现在的PS创意作品，都是属于摄影艺术的范畴。

但我们国内大多数摄影师和摄影爱好者在欣赏摄影作品时，都自觉或不自觉地仅以纯客观真实这个唯一标准来看待和评判摄影艺术，这显然是太过于窄小了，这反映出我们大多数摄影人对世界摄影的各种艺术流派并不了解，尤其是对美术和摄影的关系不了解，所以我们需要多了解一些美术史与摄影史，做到对摄影主流艺术派别有大致的了解和鉴别，才不至于到处开黄腔、不懂装懂被行家所轻视，同时，也能够极大提高和拓宽我们创作摄影艺术的思路和手法。

就摄影艺术而言，确实与美术是有相同相通的地方，但摄影与美术也有明显的区别，就是因为摄影与美术有显著区别，所以才自成体系、自成一家，摄影有着自己独立的艺术理论基础和技术技法体系。

相同的方面主要有：
1、两者都是属于视觉画面造型艺术；
2、都是运用构图、空间、黑白或色彩关系来记录、描述或表达自己在一定空间和时间对客观世界物体的感受，并以此传递给大众；
3、两者都同属造型美学范围，都能在不断实践中提高自己或大众的审美情趣和审美能力。

不同的方面或主要区别有：
1、材料或工具不同。美术家是运用画笔、颜料、纸张、布料、木料、泥料、金属等等多种物质材料塑造客观物体；摄影师则是运用照相机、感光胶片、电子感光材料、冲印设备或计算机、后期处理软件等记录或复制客观物体；

2、技术或技艺要求不同。画家或雕塑家对形体和色彩的表达主要依赖于自身描绘或塑造能力，这种能力要求极高，需要经过长期刻苦的训练才能达到心手合一，正是这一点决定了美术只能是少数人的阳春白雪；而摄影则必须依赖于照相机、镜头或胶片，相对于绘画与雕塑技能而言要求较低，尤其是随着现代照相机自动化技术的飞速发展，摄影技术大部分已经实现自动化，所以比较容易掌握（当然，真正精通摄影技术也是很难的，如摄影前期拍摄技术、对摄影镜头选择与运用、胶片后期暗房冲印技术、数码后期处理技术等），也是由于这点，摄影是可以普及到大众化的艺术。

3、选择的自由度不同。虽说两者都是做减法，但画家对画面构图形式和色彩的选择是完全自由的，可以任意增减画面需要或不需要的东西，可以长时间精心考虑和推敲画面所有元素构成，以达到符合自己心中的主观愿望为止，主观性较大；而摄影师面对的是客观真实世界，他在取景时不可能任意增加和减少画面物体（但摄影室或影棚的除外），客观性真实性较大。

4、创作作品的时间不同。一幅绘画作品可以是几天、几月甚至几年，也可以完全推翻重来，画家可以反复考虑和思索；而摄影则是决定性的那一瞬间，摄影师必须具备比画家更加敏锐的发现和审美眼光，尤其是纪实摄影或摄影记者，往往机会稍纵即逝，并且具有不可复制和逆转性。

绘画与摄影有天然联系，最早的照相机就是画家们设计的，如果你看看世界上最早的摄影作品，完全是按照画家们的构图和要求来进行的，有的简直就是绘画作品的翻版。

绘画与摄影有哪些相同和不同，下面是摘抄的著名画家叶浅予有关“绘画与摄影”的论述：
1、“表现一瞬间的诗情画意，（即“一眨眼的美”）诗人和画家有时候需要经过反复的推敲和经营，才能够完成他们的创作。要推敲，要经营，要构思，摄影家的劳动似乎比诗人、画家简单得多，他只要按一按快门，全部景物都映上了感光片。但是，摄影家的劳动并非只是按一按快门而已，他们的劳动主要在于按快门之前的复杂的构思的过程，这和诗人和画家是一样的。但是这个过程，远非诗人、画家可以那样从容不迫，从事反复的艺术加工。摄影家在对象面前的思维活动要在很短的时间内做出决定，不然的话错过了这一瞬间，机会就失掉了，就永远追不回来那个最好的他所心爱的镜头了．．．．．．

2、摄影家的眼睛应该比画家、诗人敏锐的多，他们能够立刻判断事物在运动中的典型形态，并且要用绘画构图的处理方法，立即确定取景的距离和角度，在这转瞬之间，还得作测光啊，测距啊，选择角度等等技术性的考虑来完成一件摄影艺术作品。摄影家要求立刻解决问题的能力不是天生的，是从实践中间培养起来的。能力的培养要讲方法。第一，你要对客观事物感兴趣，要热爱生活。第 二，要辨别客观事物的美与丑，懂得取舍，在此基础上逐步提高自己认识生活的能力。第三，对生活要有自己的看法，不能人云亦云，抄袭人家的东西。摄影家要有一双审美的眼睛，一副审美的头脑，在对象面前，要思索对象的意义。这种思索要到生活实践中去锻炼。”

3、一张黑白的画，一张素描，一张白描，一张水墨画，摆在很多色彩鲜艳的大厅里，它就很突出，尽管数量少，感到孤单。但是在色彩缤纷中间黑白的东西特别响亮，特别引人注目。所以我比较乐观的说黑白照片的前途是光明的，艺术水平是高过彩色照片的。我是画中国画的，中国画历来的理论就是墨分五色，从极浓到极淡的层次，就是代表色彩。如果满眼都是颜色，你的感觉怎样？红的、绿的、黄的、蓝的各种色彩一天到晚在你眼睛里脑子里晃悠是很不舒服的。我们作画的讲调子，是暖调子、冷调子还是灰调子，有时候要讲对比，强烈的对比本身，它也形成一种调子，几种颜色综合以后基本上还是个灰调子。从这个原理来讲，黑白的东西是最根本的东西，你把黑白的关系处理好，你才能把色彩处理好。作为艺术来讲，黑白片的艺术性要比彩色片的艺术性难以掌握得多。应该承认黑白片具有不可动摇的艺术价值。

学习摄影是否必须要具备绘画基础和能力？

如果是一般喜好摄影并不需要，凭大众教育接受的普遍应当具有审美观也就行了。但如果你想在摄影上进阶或搞出点成就，如从事商业摄影、艺术摄影等等，则一定多少要懂得一些美术方面的基础东西。如构图、透视、色彩、黑白灰关系等等，再高深些就是读一读世界美术史、美术流派和东西方美学思想，因为摄影历史较短，有许多理论是从美术传承过来的，这些跟摄影许多方面相通相联、是一致性的。但我们强调懂得美术基础并不需要你拿起画笔来亲自学习绘画，说实话你也不可能有这份时间、耐心和精力。我认为摄影人要懂得些绘画基础，主要还是指平日抽些时间看看美术方面的基础书籍，尤其多看一些世界各种流派的优秀绘画作品，耳努力培养自己的艺术细胞，关键是有意识地培养和训练我们发现美的一双眼睛，也不必专门购美术书籍，这方面的基础知识网上多的是，还是多读、多看、多思。

美术确实有很多艺术流派，但不管那一类流派，前提都是建立在扎实的素描、色彩和速写基础之上。学习美术一般从临摹和几何石膏静物写生开始，只要经过几年正规扎实基础训练，要画出唯妙唯俏的对象是非常容易的事情，绘画做到形拟是最起码的能力，可以说参与高等美术学院考试每个考生都基本上具备这种“画得很像”能力，真正难的是既形拟又神似，反映出精神内涵，但如果没有扎实的基本功，连一个鸡蛋也画不像，什么流派都是白谈。

另一个误解是对美术流派的误解，有些朋友看到一些抽象派作品中，有的美术作品抽象得完全看不懂，不知道是描绘的什么，甚至一大堆线条和色彩的堆砌，于是认为美术很简单，就是乱涂乱抹。美术界长期也存在许多争议，如对抽象派、印象派都有许多不同的评论和看法。有些画家自己对其它流派的东西也不读懂，如一头经过训练的大象用鼻子涂上颜色在纸或布上乱涂一通，然后就成了美术作品。

有人说凡高是天才画家，也有人经考察后讲凡高是天生色盲，加上神经有些不正常，所以经常用原色直接作画，色彩鲜明而带有抽象意味的凡高，倒是主观印象派的天才大师，这是公认的。但早年的凡高是现实主义画派，其基本功非常扎实。

现实主义画派作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。画家库尔贝和理论家尚弗勒里是其精神领袖。现实主义主张坚决如实的表现画家所处时代的风格、思想和面貌，其中至关重要的是真诚。“现实主义”在西方语言中也可指艺术写实的手法。所以也有人把“现实主义”称为“写实主义”，但这是不完全正确的理解，现实主义不等于艺术手法上的完全写实，这儿的“现实”主要指对现实社会的真实反映和描绘。与此相反的是古典学院派，他们在艺术表现手法是非常注重写实的，但绘画作品中多反映的是欧洲宗教中的神话人物或故事，与现实社会没有任何关系。

超现实主义画派，是受到弗洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。

超级现实主义是20世纪60年代后期在美国兴起的一种新的艺术流派，这个流派的艺术家反对抽象艺术的潜意识情感和在造型中不表现具体物象的作法，他们认为应该排除画家的一切主观意念，做到纯客观地、真实地，甚至像摄影那样的再现物象，所以又称之为“照相写实主义”。所以超级现实主义不属于超现实主义。

古典学院派或宫廷画派。
达。芬奇不朽著名油画“蒙拉丽萨”。

古典学院派或宫廷画派，最典型的代表就是宫廷大画家拉菲尔。

古典学院派或宫廷画派

古典学院派或宫廷画派

这就是摄影界至今仍非常推崇的“伦勃朗光”。伦勃朗的古典油画作品经常以人物左右上方45度光照射，质感表达上非常强烈。

绘画主义摄影作品
绘画主义摄影又称之为画意主义摄影，是盛行于二十世纪初摄影领域的一种艺术流派，但它产生于十九世纪中叶的英国。该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。如下面这幅照片我们能够看到最早最经典的摄影作品之一，由于照像机本身就是画家发明出来的，所以早期的摄影作品几乎全是绘画的翻版，无论是主题内容、构图、人物摆布同古典派绘画简直就如出一辙，只不过前者是用画笔描绘，后者是相机描绘。

绘画主义摄影作品

绘画主义摄影作品

绘画主义摄影作品，
有些摄影师就是画家出身，他们在摄影前就画好了最终效果的草图。因此无论是创作的主题内容、构图、人物摆布、色彩搭配、光影照射等都经过精心设计，其最终效果同古典派绘画如出一辙。

绘画主义摄影作品

这是典型的古典唯美派摄影作品。

古典学院派或宫廷派是美术史上最早最古老的艺术风格，古希腊古罗马的青铜雕塑，古埃及古印度及古代中国的壁画虽然起源不同，风格上也各异，但如果追要溯源，它们在最初的表现形式上几乎完全是一致的，这是由于早期人类对世界天然的审美观本性所致。

西方的古典学院派，在表达手段上非常写实，画面构图讲究严谨、色彩搭配上唯美和谐，不愧是集西方美术史的最经典之大成，你几乎找不出画面任何明显的问题。西方的摄影基础理论在构图、用光、色彩受古典画派影响很深，如构图上著名的“黄金分割线”，摄影师在用光上经常使用的著名的“伦勃朗光”，就是从17世纪著名的荷兰油画大师伦勃朗创作的一系列古典油画中命名而来的。所谓的“蝴蝶光”则受拉菲尔、提香等女性作品用光的很大影响。

绘画或摄影以后出现的各种艺术流派和艺术风格，尽管差异很大甚至完全不同，但你都可以发现古典派的影子，或多或少地都要受到古典学院派的影响。如你在欣赏超现实主义绘画时，尽管它的整体形式光怪陆离，违反常理，但你若观察每一个局部，却仍然是古典唯美或现实主义的表现手法，或是一只钟表与一条大腿的结合，或是人头与马身的结合。

由于太完美无缺，就容易产生保守和僵化。如古典画派往往在创作主题思想与表达内容上完全与现实社会脱离，色彩搭配上形成定式，构图上形成固定模式等等，后人实在太难从前辈艺术大师们这种完美无缺的作品中找到突破口，太难以超越前人取得的伟大的不朽的成就。

现实主义绘画作品

现实主义也称写实主义，它至少有两层含义：一是从技巧、技法上讲是写实主义。具体技法是要求写实而不是抽象，即各种形象塑造与我们人眼看到的现实物体相一致；二是从创作者主观意识上是关注现实生活中的人生，关注现实生活、关注现实社会的各种现象。

现实主义是艺术发展进程中一种独特的艺术现象，指19世纪产生的艺术思潮，又称之为“写实主义”，这个流派是使用现实主义艺术创作方法的，现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通平民的生活与喜怒哀乐，现实社会生活中的普通人真正成为绘画中的主体形象，而不是古典神话中的神与皇族、王公贵族等，大自然的美景也作为独立的题材受到现实主义画家青睐。